Osteria del sole

We are pleased to present Osteria del sole, Francesco Cima’s fourth solo exhibition in with Amanita and first in Rome.

Francesco Cima (b. 1990, Pietrasanta) graduated in visual arts at Academy of fine arts in Venice in 2019. He currently lives and works in Venice. The attention to detail, as well as the instinctive ability to connect seemingly distant physical and temporal spaces are some of the peculiarities that characterize Francesco Cima’s paintings. Through thinly painted brushstrokes, Cima does not simply render views, but vast territories where infinitely many dimensions can find refuge, pushing the material confines of the oil painting beyond the imaginable. The main file rouge in his works is the presence of a crepuscular light that softly embraces the majority of his settings, echoing the emotional reverberations of Romanticism, to which Cima feels strongly indebted to.

THE INVINCIBLE SUN

Year 274 AD: Emperor Aurelian commissions the construction, on the slopes of the Quirinal, of a temple dedicated to Sol Invictus—the unconquered, undefeated sun—born from the union of the principal solar deities worshipped across the territories under Roman rule. A singular cult, whose highest expression took place at the conclusion of the Saturnalia (December 17–23), with the acclamation of the sun’s return following the winter solstice. Toward the end of the year, the sun itself became a symbol of hope and power, a metaphor for the triumph of light over darkness, celebrating a return that was by no means taken for granted.

The exhibition Osteria del sole, a solo show by the artist Francesco Cima (Pietrasanta, 1990), draws from these ancient reflections, bringing back to Rome traces of that past alliance in the form of a direct and personal relationship with the star—never understood as itself alone, but as the sum of all its more and less divine attributes.

A series of suns dominates the horizon; there is no distinction between dawn and dusk, and even the flow of the seasons is suspended, crystallized in moments that belong simultaneously to past, present, and future. Cima’s poetics of nostalgia finds resolution by establishing a subject within the subject: to each landscape its own sun, transforming it—where not explicit—into a poignant golden light, in an attempt to answer an increasingly urgent need for warmth and security. As is customary, the circular composition of natural elements does not allow one to move beyond; yet, unlike earlier works—where the limits of possible movement were set by steep slopes, branches, trunks, mountains, and marshes—the boundary of vision is now placed by the sky itself, immeasurable and distant, elected as the primary interlocutor in the dialogue between painting and observer. This interaction, made imperative by the sun’s frontal and central position, sublimates Cima’s conceptual inquiry into a true painting of the limit, for which it becomes essential to be aware of one’s own physical and sensory boundaries before measuring oneself against the vastness of the visions proposed on the canvas.

From a strictly technical point of view, the use of the sun as a subject may be seen as an act of defiance. Although the sun’s form is now scientifically established—both in scale and in the detailed movements observed on its surface—for millennia artistic tradition confined it almost exclusively to mythologies carved in stone, leaving painting to develop primarily through its movement. In this sense, the sun has been indispensable to painting not for itself, but for its effects: light and shadow, brightness and darkness, constantly selected in relation to the fourth dimension. To portray it realistically, one must be able to observe it; here lies the true problem, transformed into a mission by many major figures in art history. Following, perhaps unwittingly, in the footsteps of J. M. W. Turner, Claude Monet, Vincent van Gogh, Camille Pissarro, Félix Vallotton and many others, Cima offers his own interpretation of the sun, treating it according to its perspectival truth: a small point of pure light, incandescent and fleeting. The instantaneity of the image is effectively simulated through the inclusion of flares and chromatic aberrations, used to underscore the inexorability of its cycle and the magnitude of its physical manifestations. These effects imbue the sun with warmth and bring it closer to the viewer, ultimately personifying it as a loving, fraternal presence.

On a technical level, the works often originate from small spontaneous stains or drips of color applied onto light backgrounds. From these, the representation begins to form autonomously, becoming a metaphor for the vibrant vegetal chaos that will later grow under the control of the brush. After sketching the initial forms—particularly the ground and the trees—Cima employs a sharp tool to define details, scratching into the paint to reveal the original layer beneath. Once these points of reference are established, the true painting phase begins, in which natural elements are brought into relation with one another and meticulously adjusted, modified, and rendered more or less luminous in order to achieve the desired balance. The final step consists of a dark dabbing, followed by the placement of the last highlights, reinforced at the end to enhance the painting’s brilliance. The title Osteria del sole was chosen by the artist to evoke a precise feeling of safety and familiarity—the same one a traveler might experience upon entering a tavern after a long, winding, and solitary journey. A sense of protection meets a fulfilled need for conviviality in a joyful, sunlit environment, where it finally becomes permissible to suspend one’s search in order to regenerate the most vulnerable part of oneself. This is the ultimate message of the paintings in the exhibition: conceived as outstretched hands, ready to accompany the viewer toward a dimension of pure peace.

—Beatrice Timillero

IL SOLE INVINCIBILE

Anno 274 d.C.: L’imperatore Aureliano fa edificare alle pendici del Quirinale un tempio dedicato al Sol Invictus, il sole invincibile o mai sconfitto, nato dall’unione delle principali divinità solari celebrate lungo i territori di dominazione romana. Un culto particolare, la cui massima espressione avveniva in seguito alla conclusione dei Saturnali (17-23 dicembre), con l’acclamazione del ritorno del sole in seguito al solstizio d’inverno. Il sole stesso diveniva sul finire dell’anno un simbolo di speranza e potenza, la metafora della vittoria della luce sull’oscurità, celebrando un ritorno che non veniva certo dato per scontato. La mostra Osteria del sole, personale dell’artista Francesco Cima (Pietrasanta, 1990), prende spunto da queste antiche riflessioni, riportando a Roma le tracce dello scorso sodalizio sotto forma di un rapporto diretto e personale con l’astro, mai inteso come se stesso ma come la somma di tutti i suoi attributi più e meno divini.

Una serie di soli domina l’orizzonte; non vi è differenza tra l’alba o il tramonto e anche il fluire delle stagioni viene sospeso, immortalato in attimi che appartengono simultaneamente al passato, al presente e al futuro. La poetica della nostalgia di Cima trova una soluzione stabilendo un soggetto nel soggetto, a ogni paesaggio il suo sole, tramutandolo dove non è esplicito in una struggente luce dorata nel tentativo di rispondere a una sempre più impellente esigenza di calore e sicurezza. Come di consueto, la composizione circolare degli elementi naturali non permette di avanzare oltre; a differenza però della produzione precedente, in cui i confini del movimento possibile erano stabiliti da pendii scoscesi, rami, tronchi, montagne e acquitrini, ora il limite dello sguardo viene posto dal cielo stesso, immensurabile e lontanissimo, eletto come principale interlocutore nel dialogo tra il dipinto e l’osservatore. Questa interazione, resa imperativa dalla posizione frontale e centrale del sole, sublima la ricerca concettuale di Cima in una vera e propria pittura del limite, per la quale diventa imprescindibile essere consapevoli dei propri confini fisici e sensoriali prima di misurarsi con la vastità delle visioni proposte nelle tele.

Da un punto di vista prettamente tecnico l’utilizzo del sole come soggetto può configurarsi come un atto di sfida. Nonostante infatti la forma del sole sia oggi scientificamente scontata, sia rispetto alla sua scala sia ai dettagliati movimenti registrati sulla sua superficie, per millenni la tradizione artistica l’ha relegata quasi esclusivamente a delle mitologie incise su pietra, lasciando alla pittura il compito di svilupparsi soltanto a partire dal suo movimento. In questo senso il sole è stato indispensabile in pittura non per se stesso ma per i suoi prodotti: luce e ombra, chiaro e scuro, costantemente selezionati in rapporto alla quarta dimensione. Per ritrarlo con realismo è necessario poterlo osservare; qui sorge il vero problema, tramutato in una missione dai maggiori esponenti della storia dell’arte. Seguendo involontariamente le orme di Turner, Monet, Van Gogh, Pissarro, Vallotton e molti altri, Cima dà la sua interpretazione del sole trattandolo secondo la sua verità prospettica, cioè come un piccolo punto di pura luce, incandescente e fuggevole. L’istantaneità dell’immagine viene simulata efficacemente grazie all’inserimento di flares e aberrazioni cromatiche, utilizzati per sottolineare l’inesorabilità del suo ciclo e la portata delle sue manifestazioni fisiche. Questi ultimi effetti donano al sole il suo calore e contribuiscono ad avvicinarlo all’osservatore, arrivando a personificarlo in una presenza amorevole e fraterna.

Sul piano tecnico spesso le opere nascono da piccole macchie spontanee o colature di colore applicate su sfondi chiari. La rappresentazione inizia a formarsi autonomamente a partire da queste ultime, divenendo una metafora del vivace caos vegetale che in seguito crescerà controllato dal pennello. Dopo aver abbozzato le prime forme, in particolare il terreno e gli alberi, Cima sfrutta un oggetto affilato per delinearne i dettagli, graffiando il colore con l’obiettivo di riportare alla luce lo strato di pittura originale. Dopo aver articolato questi punti di riferimento ha inizio la fase di pittura vera e propria, nella quale gli elementi naturali vengono messi in rapporto tra loro e minuziosamente aggiustati, modificati e resi più o meno brillanti al fine di raggiungere l’equilibrio desiderato. L’ultimo passaggio è costituito da una tamponatura scura seguita dal posizionamento delle ultime luci, rimarcate in ultima battuta per rendere il dipinto più brillante.

Il titolo Osteria del sole è stato scelto dall’artista per evocare un preciso sentimento di sicurezza e familiarità, lo stesso che può provare il viandante entrando in una taverna dopo aver affrontato un tortuoso e solitario percorso. La sensazione di protezione incontra un appagato bisogno di convivialità in un ambiente gioioso e solare, in cui è finalmente lecito sospendere la propria ricerca al fine di rigenerare il lato più vulnerabile di sé. Questo è il messaggio ultimo dei dipinti presenti in mostra, concepiti come delle mani tese pronte ad accompagnare lo spettatore verso una dimensione di pura pace.

—Beatrice Timillero